Escenario


No hay una mirada femenina especial; el mundo no es binario: Agnès Godard

La francesa estuvo en el Festival Internacional de Cine de Los Cabos junto a otras directoras de fotografía como Ashley Connor, María Secco y Ellen Kuras.

No hay una mirada femenina especial; el mundo no es binario: Agnès Godard | La Crónica de Hoy

Las artistas explicaron que aunque hay más oportunidades para las mujeres en el cine, aún no hay equidad en salarios. (Foto: Cortesía)

"No creo que haya una mirada femenina especial; para mí, el mundo no está dividido de una manera binaria", expresó la aclamada cinematógrafa Agnès Godard, en su más reciente visita al país como invitada de honor del Festival Internacional de Cine de Los Cabos, que concluyó hace unos días, en donde participó en el panel Miradas extraordinarias junto a otras directoras de fotografía como Ashley Connor, María Secco y Ellen Kuras.

Y es que en la actualidad, la lucha por la equidad de género está más en boga que nunca, y aunque para la artista, conocida por ser colaboradora habitual de Claire Denis, en Francia se han abierto las oportunidades a las mujeres desde hace mucho tiempo, para la joven Ashley Connor en EU las cosas no han sido del todo satisfactorias incluso después del movimiento MeToo:

“La forma en que el sexismo juega en la industria se percibe demasiado abstracto; ya no se manifiesta en oportunidades sino en no dar a las mujeres el respaldo financiero que se merecen”, compartió a Crónica. “Como cineasta, sabes que estás en una isla y no quieres estar allí como algo diferente. Pero entonces, por esa misma razón, tu diferencia es lo que te hace único”, agregó.

Para el grupo de fotógrafas también vale la pena señalar  una manera de valorar su trabajo más allá del género. Cada una tiene una voz propia y una forma de contribuir al séptimo arte: “Ser cinematógrafo para mí es como ser traductor”, dijo Godard, quien también ha trabajado con cineastas icónicos como Wim Wenders, Peter Greenaway y Agnès Varda.

“El trabajo del director es muy grande y solitario; el cinematógrafo proporciona un sistema de apoyo y juntos trabajamos para ver cómo podemos transmitir lo que el director quiere relacionar con tanta intensidad, ver cómo podemos decirlo de una manera que genere emoción”, agregó en su turno María Secco (La jaula de oro).

El desafío es traducir las palabras escritas del guión en imágenes, señaló. “Creo que ésa es la razón por la que me atraen tanto las imágenes; la cinematografía es una colección de imágenes y para mí, creo que es una forma de hacer preguntas, llevar a la audiencia con usted y realmente desarrollar un lenguaje con el director sobre cómo desea que la gente lo interprete”, dijo Ashley Connor, nominada al Premio Independent Spirit 2018 por su trabajo en Madeline’s Madeline.

Las historias de las cinematógrafas pueden ser tan diversas como complejas. Para algunas como Ellen Kuras, especialmente reconocida por su trabajo con Michel Gondry en Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, ha sido importante enriquecerse de sus colegas. Recordó que una ocasión tuvo el reto de sustituir en el cargo a Sven Nykvist (La insoportable levedad del ser), para la cinta Angela, de Rebecca Miller, quien le dio un consejo sobre la humildad:

“Todo el mundo dice que para ser un verdadero director de fotografía cuando estás haciendo una película real, debes usar lentes de primera calidad, Nykvist se rió y me dijo que usaba lentes de zoom todo el tiempo. ‘Deberías usar lo que sientas. Sigue tu intuición. Ése es tu punto de vista’”, comentó Kuras.

Las cuatro realizadoras coincidieron en que uno de los principales retos de su labor es la de anteponer las emociones a la belleza, “cuando ves una imagen que te mueve, no tiene nada que ver con las proporciones correctas o la luz correcta, pero tiene algo que excita o provoca una emoción; no necesariamente tiene que ver con la belleza tal como la entendemos”, señaló Secco.

Al respecto, Kuras compartió el ejemplo de Michel Gondry para hacer Eterno resplandor… pues uno de los acuerdos era que se debía observar la historia como lo haría un niño de siete años: “La belleza de esto, y el hecho de que gran parte de la película tiene lugar en algún lugar entre la memoria y la realidad, es que había espacio, y tal vez incluso una necesidad, para jugar con los efectos de la cámara”, dijo.

Para ella, el uso de efectos tangibles en la cámara tiene un beneficio mucho más importante que los “errores felices” que ocurren en el mundo analógico, “eso alienta el sentimiento. Como director de fotografía debemos permitirnos sentir algo. Uno puede hacer fotos bonitas, pero eso no significa necesariamente que sea un trabajo emotivo”, dijo.

También Godard hizo énfasis en la manera de trabajar con los directores, pues algunos como Claire Denis, están demasiado cerca de los cinematógrafos guiándolos casi tomándolos por los hombros, “su forma de estar cerca y presente de esa manera fue una gran aprendizaje para mí, por que ella sabe cómo se ve el espacio a través de las lentes, sabe lo que hay en la imagen y lo que estoy filmando mirando el movimiento de la cámara. Nunca he experimentado esta proximidad como una especie de vigilancia, sino, por el contrario, como una especie de curiosidad”, dijo.

Para llegar a ese tipo de contacto es necesario tener “conversaciones extensas y hacemos exploraciones exhaustivas de localización con Claire, pero ella nunca hace descripciones de tomas; ella pone todo en su lugar y luego mira cómo se ven los demás y yo. Y eso es lo bueno de esto, porque te coloca en la posición de no filmar algo que ya se ha descrito o dibujado en la página, sino, por el contrario, algo que está siendo escrito en ese mismo momento, lo cual es muy liberador. Se trata de practicar la fe en lo que puede hacer la cinematografía, de creer que una historia se puede contar con imágenes”, agregó.

En ese sentido Kuras también coincidió en la importancia de escuchar a los directores, por lo cual siempre les pide cuatro días para ponerse en la cabeza del director, “no todos los directores saben sobre lentes o sobre iluminación, pero saben lo que quieren decir. Así que cada toma tiene una historia”, concluyó.

 

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