Alexander Wertheim (Alemania 1995), recientemente realizó una serie de pinturas con retículas de líneas de color y exhibió tres en el booth de Saenger en Salón ACME, 2024. Presenta ahora su primera exposición en México con obra producida en nuestro país, donde líneas de color paralelas con matices apastelados se combinan con otras de colores primarios.
Wertheim produjo cientos de dibujos preparatorios para estas 17 pinturas, llegando a repintar lienzos para comenzar de nuevo. Según me contó Alexander, su proceso de ejecución es “tonto e incluso estúpido”, ya que busca limpiar de representaciones a su pintura para lograr gestos pictóricos puros desprovistos de cualquier intención o indicio de virtuosismo o maestría, perfección cultivada a conciencia en la caligrafía china o japonesa.
Este proceder mitiga al máximo la individualidad del artista, siendo que la cada vez más restrictiva selección de elementos y procesos de Wertheim conflictua sus límites con la obra de otros autores: Aun cuando podríamos pensar a desde la pintora espiritista Georgiana Houghton (1814-84) y hasta Cy Twombly (1928-2011 como antecedentes del proceder de Alexander, sin duda es Martin Barré (1924-93) en sus pinturas con aerosol de los años sesenta, quien anticipa directamente los procesos de Wertheim. El pintor mexicano Guillermo Zapfe (1933-92) también procuró la pureza del gesto; y Alexander se diferencia radicalmente del discurso más bien conceptual de David Ostrowski.
Alexander Wertheim al usar líneas paralelas o retículas regresa a lo básico en sus composiciones y potencia el efecto expresivo del color; no obstante, ¿hasta que punto el menor número de recursos facilita al gesto pictórico su pureza?, ¿hasta dónde se puede tensar el hilo o límite de la autoría?; ¿indicio inequívoco de la muerte del arte contemporáneo es que sólo resta llenar los pocos huecos que quedan entre autores relevantes?; ¿el arte resulta una construcción cultural colectiva hecha de individualidades?
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